Je suis devenu amie avec une directrice de collection. Cool me direz-vous. Elle travaille dans une prod « djeuns » et que ce soit moi ou avec mes coauteurs, on a des projets « djeuns » à lui proposer. Mais pas encore, pas tout de suite. On est pros, on veut lui présenter des projets carrés… Mais ça prend du temps d’être carré et mes coauteurs ou moi avons souvent d’autres choses sur le feu.

Elle revient vers moi en me demandant quand est-ce qu’elle pourra lire ce que je lui avais merveilleusement pitché (tu parles)… Je laisse traîner, marner, et… Elle change de boîte ! Vala ! Bien fait pour ma pomme !

J’ai donc brillamment perdu mon contact dans cette société de production et elle est partie travaillé ailleurs. Dans l’histoire je ne suis pas vraiment perdant, puisque j’ai maintenant deux contacts, mais la personne chez qui j’ai suscité un intérêt est partie dans une autre société de production où les envies seront sans aucun doute différentes…

Ne sortez du bois que quand vous êtes sûr de vous, n’annoncez rien avant de pouvoir envoyer le projet. Quand vous avez un contact vous devez pouvoir le nourrir suffisamment vite pour qu’il s’intéresse à vous, pour qu’il sache ce dont vous êtes capable. En tout cas, ne le faite pas attendre trop longtemps.

La suite sur le blog scriptlarva.wordpress.com.

Allez, au boulot !

(Merci à Yacine)

« Non votre scénario, quoique plein de qualités ne nous intéresse pas ». Ou pire « On a déjà une histoire du même acabit » Ou… Whatever…

On a passé un temps fou à écrire une mini-bible, des semaines voire des mois à rédiger un scénario, puis on passe beaucoup de temps à chercher les producteurs qui seraient intéressés. On essaye d’établir le contact, on y parvient plus ou moins bien et paf… Même pas de réponse parfois. Rien.

On ne sait pas si le scénario a plu ou pas, on a jamais vraiment d’explications. Généralement, L’absence de réponse indique un mauvais présage (en tout cas en ce qui me concerne,  un producteur n’a jamais attendu que je le rappelle pour me dire « ah ah ah c’était juste pour vous faire flipper dites donc, en fait, j’adore votre scénario, je vous le fait à quel ordre le chèque ? »).

Dans ce cas comment faire ? L’accepter. Tout simplement. Facile à dire, difficile à faire. Accepter un refus s’apparente à accepter une petite mort. Il est évident que ce n’est jamais facile, quand on débute, on ne comprend jamais vraiment pourquoi on n’a pas de réponse, et surtout pourquoi on essuie un refus.

Donc pour accepter un refus, j’accuse le coup, je rumine. Souvent, on n’a pas de réponse d’une personne qui pourtant pourrait apporter un plus au projet. Le point de vue de celui qui refuse est d’ailleurs souvent plus intéressant que le point de vue de celui qui aime (qui parfois ne saura pas dire pourquoi). Mais le prod qui n’aime pas votre projet ne va pas s’étaler sur le pourquoi du comment et passera à autre chose.

Le comportement qui s’ensuit face à un refus me fait penser aux « 5 étapes de la mort annoncée » d’Elisabeth Kübler-Ross (oui ça fait peur comme ça, mais vous allez vous reconnaître) :

1. Déni (Denial) ; Exemple – « Ce n’est pas possible, mon scénario est génial ! C’est une masterpiece ! »
2. Colère (Anger) ; Exemple – « Purée, ils ont de la merde dans les yeux ou quoi ?! »
3. Marchandage (Bargaining) ; Exemple – « Allez, je vous le vends pour pas cher, et je passerai le balai dans la boîte de prod ! »
4. Dépression (Depression) ; Exemple – « Fuck… Je suis un grand artiste incompris… »
5. Acceptation (Acceptance) ; Exemple – « Bon, ok, mon scénario, il est pas si top moumoute que ça. Je vais me remettre au boulot… » ou bien : « Pff… Je vais le filer à une autre boîte de prod… »

A l’autre bout du spectre, chez les grand scénaristes, ça se passe autrement (dans leur tête déjà) : Matthew Weiner, créateur de la série Mad Men, a une opinion bien à lui. Quand on vous oppose un refus sur un projet c’est que, bien souvent… on n’aime pas ce que vous avez envoyé… (outre le fait que votre histoire est bien construite, que votre scénario est original, etc.) :

« Quand on vous oppose un refus, il est difficile de prendre au sérieux les raisons qui vous sont données parce que le plus souvent, cela tient au fait que les gens n’aiment ce que vous proposez, même s’ils vous donnent une explication. Personne ne vous répond simplement qu’il n’aime pas ce que vous faites. Une seule personne m’a répondu ça. »

La suite de l’interview ici : Matthew Weiner – Mad Men parle d’une époque volontairement oubliée, interview du Monde des Séries.

Allez, au boulot !

Il n’y a pas que Truby dans la vie. Ou McKee. Ou Lavandier (qui m’a toujours d’ailleurs fait penser à de la lessive). Si vous analysez un film fini, si vous refaites le chemin inverse et que vous réécrivez le séquencier (voire le scénario en entier, soyons maso) vous vous retrouverez donc avec l’impression d’avoir les mêmes mots que le scénariste qui l’a sué sang et eau. Vous vous retrouverez en face d’un scénario parfait, copie papier du film. Et là vous vous dites « si seulement j’arrivais à écrire un truc comme ça du premier coup » ou de manière plus réaliste : « si seulement ma V8 ressemblait à quelque chose… »

C’est une erreur. Vous vous mettez le doigt dans l’oeil. Faire cet exercice d’analyse est intéressant et formateur, mais aussi un peu frustrant (et souvent vous le ferez sur un film que vous aimez). La réalité de l’écriture est tout autre. Tout comme la théorie.

Chez Truby c’est 22 « steps », chez Seinfield c’est 12 « beats », Campbell 12,… En oubliant que toutes leurs théories proviennent de la littérature et du théâtre… européen… Vladimir Prop découpait un conte en… 31 étapes…

« Une théorie (du grec theorein, « contempler, observer, examiner ») désigne couramment une idée ou une connaissance spéculative et vraisemblable, souvent basée sur l’observation ou l’expérience, donnant une représentation idéale, éloignée des applications.

Le terme « théorie » est parfois employé pour désigner quelque chose de temporaire ou de pas tout à fait vrai, »

Une théorie du scénario (ou en général) est donc une observation. Et rien d’autre. Vincent Colonna utilise un terme très intéressant la « modélisation ».

C’est pourquoi les règles édictées doctement par les théoriciens qui analysent eux aussi d’après l’image et non pas sur pièce (sur le scénario) ont souvent un goût d’utopie. On ressent confusément que quelque chose cloche. Comme le dit la définition que « ce n’est pas tout à fait vrai ». C’est tout simplement que les Yves Lavandier ou John Truby ont analysé plusieurs scénarios pour en arriver à leur théorie. Truby a l’honnêteté de placer en épithète de ses sentences : « Dans la plupart des cas, ça se passe comme ça… » ou plus précisément « le public préfère plutôt ce type d’histoire… » C’est sa culture et son « merchandising »

Bref, quand vous analysez un film, construisez votre propre théorie. En somme, la théorie n’est qu’une analyse (analyse vient du terme découper), une façon de voir, un point de vue sur la dramaturgie (comment raconter une histoire) et un point de vue sur la vie (pourquoi vous racontez votre histoire). Mais c’est le point de vue de l’autre ! De l’auteur que vous observer, du film que vous regardez !

Plus votre théorie vous sera propre (avec pourquoi pas vos propres termes) et plus votre style et votre univers vous seront reconnaissables (Ah tiens, ça c’est du Woody Allen, ça, du … ) Vous remarquerez qu’on ne dit pas « Ah tiens, ça c’est du Truby ».

Non seulement votre style et votre dramaturgie sera singulière mais aussi et surtout vos histoires.

Allez, au boulot.

Le premier, sur un tableau qui a déjà été diffusé ici ou là (non non cherchez pas, y a pas de lien).

Et un deuxième article, sur l’étude des professions des héroïnes dans les comédies romantiques (c’est en anglais). Pour résumer, la nouvelle héroïne de comédie romantique travaille dans l’univers de la médecine (Sex Friends), des magazines/journalisme (Le Diable s’habille en Prada), dans la restauration (de préférence hype), à la télévision, dans l’événementiel, dans la mode, dans l’édition ou… dans la politique (même si l’article nous explique que le personnage n’a jamais d’ambition politique, il s’agit de faire une comédie romantique, pas un film social !)… C’est sur le NYMag.

« Mon  second conseil est d’arrêter de lire les revues de la profession pour y trouver « ce qui se vend ». C’est la mort créative assurée. Si vos co-auteurs ou agents vous encouragent à écrire le prochain Inception, Lost ou Modern Family, dites-leurs d’aller se faire foutre. Ecrivez ce qui excite votre imagination, pas votre porte-feuille. Trouvez les sujets qui vous inspirent, qui vous font ressentir quelque chose, qui titillent vos instincts primaires. Ce questionnement vous mènera à la découverte de vos thèmes personnels — les motifs émotionnels qui font de vous ce que vous êtes : un être humain et un artiste. Quelques-uns de mes thèmes de prédilection sont la rédemption, la paternité et la représentation de la virilité. Ce sont ces problématiques qui nourrissent mon besoin de création et guide mes choix créatifs. Trouvez les vôtres. »

La suite sur le blog de Kurt Sutter.

Allez, au boulot !

Extrait :

« Aaron, parlez-nous de votre méthode d’écriture. Comment vous y prenez-vous ?

Aaron Sorkin – Je n’ai aucune méthode mais je prends des douches. Jusqu’à six ou huit par jour. Je n’ai pas la phobie des microbes, ce n’est pas un TOC : je prends une douche chaque fois que j’ai besoin de me relancer. Lorsque j’ai passé deux heures à fixer le curseur qui clignote sur la page blanche, je deviens grincheux : je prends une douche très chaude, je mets des vêtements propres, voilà une nouvelle journée qui commence. Un reboot. Je vis à Los Angeles et comme tout le monde là-bas j’ai une piscine. Parfois je fais un plongeon puis je prends une douche. Je répète ce rituel plusieurs fois dans la journée. A l’opposé, quand l’écriture marche, c’est très physique. Je me lève devant l’ordinateur, je saute partout, je joue tous les personnages (il mime la scène), je me sens très excité. Je me tiens très mal en écrivant : au bout d’un moment je ne peux plus continuer, j’ai mal partout. Quatre heures devant l’ordi équivalent à quatre heures de muscu. Donc je prends une douche. Je vis ainsi quatre ou cinq journées dans la même journée. J’utilise beaucoup plus d’eau que je ne devrais et je sais, c’est mal. »

La suite ici : The Social Network : Entretien avec David Fincher et Aaron Sorkin, article des inrocks.

Allez, au boulot !

Un article du figaro nous apprend que le public a enfin compris ce que nous scénaristes français savions écrire : du polar et de la comédie. Et tout autre genre de fiction sera détruit sur la place publique (ou en tout cas largement boudé). Bref, pour du drama, on repassera…

Bon, seul truc rassurant :

« C’est avant tout l’intrigue qui les séduit à 76%. «Jean Gabin avait raison de dire qu’un film à succès est avant tout celui qui raconte une belle histoire», sourit Jean-Pierre Panzani. (directeur du marketing et de développement au département télé de Médiamétrie) »

Allez, au boulot !

Vite ! Quelques conseils d’un ami qui a fait le CEEA et qui m’a gentiment pondu ce texte. Un grand merci à lui.

1. Écrire, c’est réécrire. Imaginer et réfléchir, faire des recherches, creuser vos personnages et les background. Tout ça, c’est cool. Mais écrire est le meilleur moyen de voir si votre histoire marche ou pas, si elle tient la route, s’il y a du rythme et des personnages intéressants. Écrivez. Raturez. Réécrivez.

2. Écrire, c’est réfléchir. Juste pour contredire le premier conseil : creusez vos méninges, regardez les films qui ressemblent à votre idée ou à votre synopsis. Regardez ce qui marche chez eux, analyser leur structure.

3. Écrire, c’est laisser reposer. À chaque version importante (fin d’un synopsis, fin d’un séquencier, fin d’une continuité) : fermez le fichier, éteignez votre ordinateur et partez à l’autre bout du monde. Quand vous vous relirez, vous aurez un œil neuf.

4. Écrire, c’est partager. Faites lire votre texte à vos amis, vos proches mais surtout à votre pire ennemi. N’écoutez pas les commentaires, notez-les et demandez vous pourquoi telle personne à dit telle chose. Toutes les critiques, même sur le plus infime détail, ont du sens. La couleur d’une robe gêne votre lecteur ? Tel mot dans la bouche de tel personnage perturbe la lecture ? Il n’y a jamais de fumée sans feu.

5. Écrire, c’est innover. Tout a déjà été raconté, mais pas par vous. Cette phrase très « trubienne » (NdA : de John Truby) est pourtant vraie. N’essayez pas d’être originaux à tout prix ; écrivez déjà un texte qui tienne la route.

6. Écrire, c’est donner vie. Plus qu’une intrigue ou une histoire, un scénario ce sont des personnages. Votre vraie structure ? Vos personnages. Votre rythme ? Vos personnages. Vos rebondissements ? Vos personnages. Tout tourne autour d’eux, il ne faut jamais que la structure ne prenne le pas sur eux. Jamais.

7. Écrire, c’est raconter quelque chose. Si les personnages passent avant tout, la structure doit suivre et les aider à arriver à leur objectif. Un scénario c’est simple comme une phrase : SUJET VERBE COMPLÉMENT = PERSONNAGE ACTION OBJECTIF. La structure peut-être simple, comme elle peut être alambiquée. Comme une phrase. Comme un roman.

8. Écrire, c’est respecter des règles. Vous n’allez pas changer la façon dont on raconte les histoires. Si elle n’a pas changé depuis que l’homme parle, ce n’est pas pour rien. Les règles ça s’apprend, ça s’applique. Ensuite — et seulement ensuite —, elles se cassent et se tordent, elles se plient à votre volonté. Mais pour tordre les cuillères, il faut déjà savoir de quoi elles sont faites.

9. Écrire, c’est vendre. Il y aura un oral. Il y a toujours un oral. Personne n’écrit dans son château et envoie son texte via messager sous pli discret. Il y aura toujours un moment où il faudra parler, se présenter, raconter son histoire brièvement et donner envie à la personne en face d’en savoir plus. Entraînez vous dès maintenant, chaque jour, constamment, à raconter votre histoire aux gens.

10. Écrire, c’est fermer sa gueule. Vous n’êtes pas grand chose. Qu’importe votre expérience, votre passé, votre histoire. Vous êtes ici pour prouver que vous êtes le meilleur, pas pour le dire. Votre texte et seulement votre texte doit parler pour vous. Vous êtes le seul responsable de vos échecs. Et pour combattre ces échecs, allez directement au conseil numéro 1.

Allez, au boulot !

Ou sans obtenir une rémunération, même symbolique. En plus de donner tout de suite le ton de ce blog, qui se voudra à la fois faussement professoral et surtout décalé ; c’est sans doute un des conseils les plus paradoxaux que je pourrais donner à un jeune scénariste.  Ce blog permettra (ou pas) aux jeunes scénaristes ou déjà installés, de ne pas perdre de temps, comme j’en ai perdu à mes débuts. Attention rien n’est garanti.

Ne pas écrire pour d’autres, tant que vous n’avez pas trouvé un terrain d’entente, une monnaie d’échange avec vos futurs partenaires (réalisateurs et/ou producteurs principalement) est le conseil le plus avisé et même une règle que je pourrais donner.

Ce n’est tout simplement pas pro. Si un producteur ose vous dire qu’il s’occupera de la question financière plus tard, c’est que de toute façon il n’y a rien à gagner et que vous allez perdre votre temps. Il faut bien évidemment commencer,  s’exercer, montrer de quoi on est capable, quel genre d’auteur on est, quel scénariste on prétend être, mais je déconseillerai vivement de partir sur des projets où vous ne voyez pas votre intérêt.

Ne pas écrire, vous mettra dans un certain état d’esprit : au fur et à mesure de votre expérience, vous n’aurez plus envie de lever le petit doigt avant de voir votre intérêt (dans le meilleurs des cas : un chèque, au pire une collaboration ou votre nom au générique). Non, vous n’allez pas devenir chipoteur mais exigeant, beaucoup croient encore aujourd’hui qu’écrire est donné à tous, et que ça ne prend pas de temps. Grossière erreur !

Pourquoi ne pas écrire ? Pour ne pas perdre de temps. Il faut examiner dans quel cadre le projet se fera pour être sûr qu’il se réalise. Imaginons que vous participiez gratuitement à l’écriture d’un court (entre 1 et  5 pages) cela vous demande déjà  plusieurs jours de travail.

Le réalisateur court à gauche et à droite pour monter l’équipe technique mais vous annonce à la fin que le film ne se fera pas. Et bien vous aurez perdu votre temps… Même dans le cadre d’une participation gratuite, il faut s’assurer d’un minimum de garanties pour que le projet se fasse. J’en veux pour preuve les quelques expériences qui me sont arrivées et que j’aurai parfois souhaité éviter :

1. A plusieurs reprises, en réécrivant les scénarios de mes amis de fac et d’écoles de cinéma, je me suis aperçu qu’ils ont toujours préféré mettre en scène leur version de l’histoire (ce qui peut se comprendre). Ils me disaient : « ton scénario, franchement, il est super, mais je préfère tourner ma version qui n’a ni queue ni tête ». Et le résultat n’était qu’un piètre film qui ne racontait absolument rien.

2. Je me suis très vite dédié au métier de scénariste. Une envie confuse qui s’est confirmée avec le temps, qui a pris forme et que j’ai mis en forme au gré de mes expériences et rencontres. Il y a quelques années encore, « j’écrivais pour moi », de jolis courts-métrages, de belles petites histoires. Mais n’ayant jamais eu le courage, ni l’envie et encore moins les prétentions de vouloir devenir réalisateur, les histoires que j’ai écrite pour moi, sont hélas restées pour moi : elles sont restées dans les tiroirs… Je suis d’ailleurs persuadé que si elles devaient se tourner, il n’en pourrait être autrement que par mes soins. Donc, à moins que vous ne vouliez tourner ce que vous écrivez, n’écrivez pas pour votre tiroir !

2. En 2005, j’avais écrit un moyen métrage avec un ami réalisateur. Ce scénario grossissait à vu d’oeil et aurait sans doute mérité un traitement de long métrage. Nous avons pris de notre temps et argent pour le boucler et l’écriture s’est déroulée sur deux ans. Après un tournage rocambolesque et plusieurs déboires, le réal est en train de terminer seulement maintenant la post-production ! Soit 6 ans pour faire un moyen métrage ! Dans ce cas, je suis parti avec un réalisateur, on s’est fait plaisir à l’écriture mais nous n’avons pas eu l’intelligence et le recul de nous dire que ce projet allait tout simplement nous prendre un temps considérable pour un « rendement » très faible.

3. Récemment, un ami qui veut devenir réalisateur, rencontré lors d’une formation a voulu travailler avec moi sur un court métrage. Il affichait une certaine ambition et avait déjà un planning d’écriture assez précis. Seulement son exigence, son impatience et son … (il voulait que l’on se voit plus d’une journée par semaine pour son court, je n’ai évidemment pas autant de temps à consacrer à un unique projet, surtout quand il est gratuit et on-spec) m’a incité  à cesser de travaillé avec lui. Il ne comprenait visiblement pas que je ne pouvais lui accorder plus de temps et son impatience à fait le reste.

4. En revanche, l’efficacité a prévalu avec un ami photographe,  qui voulait participer à un concours de films très courts. On s’est vu, on a discuté. J’ai couché sur papier notre brainstorm. Je n’avais vraiment aucune envie de continuer mais il m’a renvoyé un scénario de deux pages. Notre discussion sous forme d’histoire. Cela m’a touché, j’ai remis en forme le scénario et je lui ai trouvé une fin. Etalé sur trois jours, cela ne nous aura pris que quelques heures (disons six à huit). Conclusion : si j’ai écrit, c’est non seulement par amitié, mais aussi parce qu’il avait un point de vu fort sur le sujet et que j’ai vu que le travail demandé n’allait pas me demander de temps !

Alors par quoi commencer ? Comment commencer ? La suite au prochain billet.

Allez, au boulot !

Et on se met enfin à se dire que l’écriture s’apprend. Avant, elle était du fait d’un génie supérieur et tout puissant (merci la Nouvelle Vague). C’est à ce moment-là, que les rayons de la Fnac se sont progressivement remplis au fur et à mesure des années 2000 (trustés par les éditions Dixit) ainsi que mon désarroi. En effet, je ne trouvais rarement que chaussure à mon pied et réponse dramaturgique à ma question scénaristique. Tout simplement parce que les auteurs de ces livres n’étaient pas auteurs de scénario…

Aujourd’hui, les livres de théorie du scénario, ainsi que les séminaires sont pléthores, parfois mal traduits, souvent écrit par des auteurs, qui eux, n’ont toujours pas écrit beaucoup de scénarios et qui souvent ne correspondent pas à la réalité du métier (en plus de se prendre beaucoup trop au sérieux). Notre culture française, met souvent en doute ce qu’on lui assène, « avec cette méthode vous allez écrire le film du siècle, au pire ça changera votre vie » ce qu’assène John Truby au début de ses séminaires (bon lui il découpe une histoire en 22 étapes, Vladimir Propp, en 31… Qui dit mieux ?). Personnellement je le trouve bien prétentieux, car à mon sens changer de vie ne doit pas être une mince affaire… Surtout si on ne vend pas son histoire !

Aujourd’hui, les modes de consommation d’histoire et d’image ont beaucoup évolué, mais bizarrement, pas les livres de dramaturgie qui prennent souvent cet air docte, froid et sérieux alors que quand nous écrivons nous ne voulons ni plus ni moins qu’entrer en contact avec le (télé)spectateur, le faire rire, ou pleurer, bref lui soutirer une émotion, lui faire ressentir des choses. Mais des fois… On est coincé…

Le but de ce blog est donc de filer quelques conseils, comme ça, gratuitement, Ce blog, ce veut pertinent et impertinent, politique, engagé, moqueur et drôle. Enfin, j’essaierai, je ne garantie rien.

Parce que j’ai envie d’aider ceux qui ne vont pas aller regarder dans un livre, qui vont se tourner vers internet, ceux qui ont envie de faire, d’écrire, tout de suite ici, et maintenant.

(Ceci dit, certains livres sont très intéressants quand même et feront l’objet d’un billet…)

Allez au boulot !